Pierre Marie Brisson nació el 11 de junio de 1955 en Orleans, Francia. Es el más joven de cuatro hijos. Desde la edad de 16 años, trabajó en varios empleos desde la agricultura a trabajar en una librería. En este tiempo conoció al pintor Bernard Saby que lo alentó. En 1979 Brisson se estableció en París y comenzó con grabados con carborundo en el taller Pasnic siguiendo el procedimiento del Goetz utilizado por Coignard, Clavé, Miró y Tapies. En esa época creó un libro ilustrado con el poeta Jean-Jacques Scherrer con el que tenía amistad. También conoció a James Coignard en esta época. Brisson es uno de los jóvenes artistas contemporáneos de Europa con más talento. Con imágenes simples y texturas extensas, las obras de Brisson han sido comparadas con pinturas rupestres. Sus apariciones intemporales representan una especie de excavaciones arqueológicas para el artista: corta, araña y atraviesa las superficies de varias capas de sus lienzos para revelar sus imágenes del interior de estos materiales. Las obras originales y gráficas de Brisson han sido objeto de numerosas exposiciones en museos en toda Europa Occidental, América del Norte y Japón. Brisson combina elementos de nuestra experiencia que hemos observado en diferentes momentos y lugares diferentes ... sin embargo, nunca antes en un lugar y momento, salvo en su arte. Sus obras incluyen la superficie rugosa de una antigua muralla, el agrietamiento de la pintura vieja, el patrón decorativo de papel pintado y tejidos, y la figuración abreviada mínima hecha a través de la garantía de una sofisticación artística o la práctica inherente de creencias arcaicas. En el arte, la capacidad natural y talento bruto no son suficientes. Es como esas habilidades empleadas importaran más. Pierre-Marie Brisson es un dibujante hábil, un colorista extraordinario, un maestro del diseño y la composición, y un creador de ricas superficies táctiles. Su éxito no está en la mera posesión y catalogación de estas habilidades sino en la aplicación sensata y equilibrada que su verdadero trabajo como artista emergente.
Sir William Quiller Orchardson ( 1832- 1910) fue un destacado pintor escocés, retratista y de temas históricos. Fue nombrado caballero en junio de 1907, a la edad de 75 años.
Orchardson nació en Edinburgo, donde su padre tenía negocios.
A la edad de quince años, Orchardson fue enviado a la escuela de arte The Trustees en Edimburgo, a continuación estudió con Robert Scott Lauder , donde tuvo como compañeros de estudio a la mayoría de los que posteriormente serían pintores famosos de la Escuela de Escocia de la segunda mitad del siglo XIX. Cuando tenía veinte años, Orchardson había dominado los elementos esenciales del arte, y había pintado el retrato del escultor John Hutchinson . Durante los siete años siguientes trabajó en Edimburgo. En 1862, a la edad de treinta años, Orchardson se trasladó a Londres, donde se le unió doce meses más tarde su amigo John Pettie . El público Inglés no se sintió atraído de inmediato por el trabajo de Orchardson, aunque su amigo Pettie, cuatro años más joven que él se convirtió en miembro de la Royal Academy. Orchardson se limitó a temas sencillos y dibujos. Entre sus cuadros más apreciados durante los primeros dieciocho años después de su traslado a Londres fueron "El Desafío", "Christopher Sly", "Reina de las Espadas", "condicional neutralidad", "duro golpe" - tal vez el mejor de todos - y, dentro de su propia familia, los retratos de su esposa y su padre, Charles Moxon. En todos ellos mostró una imaginación refinada unida a una buena destreza técnica restringida aunque restringida.
En 1865 Pettie se casó y abandonó el estudio. En 1868 Orchardson fue nombrado socio de la Royal Academy. En 1870 pasó el verano en Venecia y al volver a casa tuvo que atravesar Francia ocupada por el ejercito alemán. Se caso con Helen Moxon el 6 de abril de 1873, y en 1877 fue elegido para todos los efectos miembro de la Real Academia. En este mismo año terminó de construir Ivyside, una casa en Westgate-on-Sea con cancha de tenis y un estudio en el jardín. William Quiller Orchardson murió en Londres a los 78 años, tres años antes había sido nombrado Caballero. La popularidad de Orcharson data de 1881, el año que envió el cuadro "Napoleon on Board the Bellerophon" a la Academia y que lleva un siglo en la Tate Gallery . Su éxito con el público fue grande e instantáneo, y durante una década o más, la obra de Orchardson fue la más buscada por la Academia. Le siguió el "Bellerophon" despues el todavía mejor "Voltaire". Técnicamente, el "Voltaire" es, quizá, su apogeo. Bellos ambos tanto en diseño como en color, realizados con destreza rara vez igualada en la escuela británica desde la muerte de Gainsborough.
Patrick Heron nació en Headingley, Leeds, en 1920, el hijo mayor de una familia inconformista. Su padre, Tom Heron, un empresario textil, era un pacifista cristiano que había sido un objetor de conciencia en la Primera Guerra Mundial y un socialista poco ortodoxo. También fue un amante del arte. Si Patrick heredó su idealismo político y su activismo valiente, a su madre le debía un combativo pacifismo, una amplia cultura y pasión por la naturaleza. Sus padres le inculcaron que lo importante en la vida era la autoconfianza, la creatividad y el compromiso ético y político en los asuntos del mundo. Él mismo fue a registrarse como objetor de conciencia en la Segunda Guerra Mundial, y tres años de pesados trabajos agrícolas en condiciones espantosas agravaron el asma que lo había perseguido desde la infancia, pero que se negó a declarar para la exención. Dotado de una intensa emoción política, fue socialista y pacifista toda la vida, miembro fundador de la CND. Odiaba con pasión los sucesivos gobiernos conservadores de los años ochenta y noventa, rechazando el título de caballero cuando le fue ofrecido por Margaret Thatcher. El retorno de un gobierno laborista en 1997 fue una ocasión de gran alegría para él. Era un polemista impenitente y un maestro de la prosa incisiva polémica. Como artista fuera del sistema educativo, sus escritos en contra de la fusión de las escuelas de arte con los politécnicos a principios de los años setenta y en los acontecimientos posteriores en la educación artística le valió el respeto y el afecto perdurable entre los artistas-profesores. En los años sesenta y setenta llevó a cabo varias campañas de éxito en defensa del paisaje único de West Penwith, incluyendo una manifestación celebrada en 1961 contra el poder del Almirantazgo cuando se trató de requisar los cabos Zennor y las turberas para un área de ejercicios para el ejército. Desde su nido en la parte más alta de la montaña sobre el mar, se mantuvo ojo avizor hasta el día de su muerte controlando la carretera que conduce desde St Ives a San Just, en busca de cualquier signo de cambio de la antigua pista o de "mejoramiento" de sus paredes verdes y orillas. En su corazón había un sentido vital y una imaginación basada en la experiencia de la vida: "... La libertad en la obra creativa - esta idea de la libertad es lo que tenemos que realizar en nuestra organización social". Fue una idea que animó la vida política y creativa de Heron. En 1925 la familia heron se trasladó de Leeds a Newlyn, donde Tom dirigió - sedas Crysede-, un modesto negocio textil. Tom dispuso una expansión a la Isla de St Ives, y rápidamente construyó la empresa. Los primeros años de Patrick en Cornwall fueron idílicos: nunca pudo olvidar las impresiones de la luz, el color y el paisaje que penetraba en la alcoba en lo que el llamaba "la tierra sagrada" de su infancia. Lo que permaneció en él, casi como una obsesión, fue la memoria del invierno de 1927-1928 que pasó en Eagles Nest (Nido de Águilas), la casa en el promontorio sobre Zennor a la que volvería a vivir, y nunca abandonaría en 1956. La casa se la habían comprado a Hugh Arnold-Forster, con la esperanza de que la altitud y la atmósfera sería bueno para el asma del niño. Después de la ruptura con su pareja, Tom dejó St Ives a finales de 1929 para fundar Sedas Cresta en Welwyn Garden City. En 1932, Patrick fue enviado a St George's School, donde fue alentado por un extraordinario maestro de arte, Ludvig van der Straeten, que en una inolvidable ocasión lo llevó, cuando tenía 13 años, a la Galería Nacional y Patrick se quedó fascinado, frente al gran Mont Saint Victoire de Cezanne. En St. George se le permitió pintar por las tardes, mientras sus compañeros jugaban. Dejó la escuela, sin títulos en 1937, y fue invitado a asistir a la Slade School of Art. A partir de 1934 su padre le encargó los diseños para bufandas de seda y diseños textiles. Sus dos años en la Slade fueron de aburrimiento e incertidumbre.
La guerra llegó, y hubo pocas oportunidades para el trabajo creativo. A finales de 1943, enfermo y agotado, los médicos le ordenaron dejar el trabajo, y poco después, Bernard Leach, un amigo de la familia, le ofreció un puesto de trabajo en la cerámica de San Ives. Trabajó allí como alfarero durante 14 meses. En 1945 se casó con Delia Reiss, a quien había conocido en la escuela en Welwyn Garden City en 1929. En ella había encontrado la compañera perfecta, con unos sentimientos por el arte y la naturaleza como los suyos. Hermosa e inteligente se ha comprometido totalmente con su trabajo, pero muy independiente de espíritu. En sus propias palabras, ella era "su mejor y más importante crítico". Vivieron en Londres, en Addison Avenue, Holland Park, pero durante los siguientes siete años pasaron todos los veranos en St Ives en una casa pegada al mar con vistas a la bahía, y las imágenes de Delia y sus hijas , fueron característica en muchas pinturas durante ese período. Heron raramente pintaba directamente, el decía que la memoria era un elemento esencial para la invencion de las imágenes: se trata de no limitarse a la apariencia sino al impacto producido en la imaginación. "Ver", escribió en 1956, "no es una operación pasiva, sino activa... Todo el arte es una convención, una invención. La pintura, literalmente, reclama alterar el aspecto del mundo para nosotros. Sólo vemos la naturaleza a través de un sistema de imágenes, una configuración que proporciona la pintura. " La excepción a esta regla son los pocos retratos que hizo en diferentes momentos de su carrera, sobre todo de TS Eliot, Herbert Read, Grimond Jo y Antonia Byatt. En 1956, por un sorprendente giro de los acontecimientos, pudo comprar Eagles Nest, a la que se trasladó con su joven familia en abril, encantado por las azaleas y camelias en primavera, su trabajo inmediatamente adquierió un nuevo espíritu y nuevas formas. Porque en ese momento actuó con decisión, de una vez por todas, se liberó de la influencia de Braque de su trabajo de post-guerra, cambió a una abstracción completamente libre, capaz de un desarrollo infinito... A partir de entonces, la casa iba a ser el centro de su existencia imaginativa, fue, él escribió mucho más tarde, "casi la gran pasión de mi vida". Animado por la personalidad de Delia, Nido de Águilas se convirtió en un centro mágico de hospitalidad para la compañía, a veces turbulenta, de brillantes artistas y escritores que hicieron de St Ives y alrededores un lugar de extraordinaria vitalidad artística durante los años cincuenta, sesenta y setenta. Cuando Delia murió, de repente, en 1979, Heron quedó desolado y durante muchos meses que no pudo trabajar.
Muchos de sus amigos artistas, William Scott, Hilton Roger, Wynter Bryan, Frost Terry y Peter Lanyon entre otros, deben mucho a la inteligente crítica de Heron, trabajo de crítico de arte para New Statesman y Nation desde 1947 hasta 1954 , y luego como corresponsal de arte en Londres entre 1955 y 1958. Era un escritor interesante, capaz de un análisis sutil y gran claridad de expresión. Tenía un don para la descripción precisa de las cualidades plásticas de la pintura, y de los aspectos específicos de la técnica y la forma que distingue a un artista de otro. Sus talentos como crítico de arte fueron las de aquel cuyo conocimiento se deriva de la práctica creativa.
Comenzó aportando una serie de ensayos en 1945 y 1946, sobre Nicholson, Braque, Klee y Picasso entre otros, a The New English Weekly. Se publicaron en 1955, escritos sobre las formas cambiantes del arte, y una selección, de críticas aparecieron en el momento de su retrospectiva de la Tate. En 1958 renunció a la crítica, pero volvió a escribir una serie de artículos a mediados de los años sesenta que fueron los componentes de una campaña sostenida y valiente en contra de lo que describió como "una especie de imperialismo cultural" en la promoción de programas, en todo el mundo , del arte americano. Esto culminó en 1974 con la publicación durante tres días de un artículo de 14.000 palabras, en The Guardian. En años más tarde, escribió ensayos sobre Bonnard, Picasso y Matisse.
Lucio Muñoz (*1929 - †1998), fue un pintor español nacido en Madrid.
Expulsado del colegio, trabajó en el comercio paterno durante una temporada. Más tarde, estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde fue discípulo de Eduardo Chicharro. Después de su formación académica, entró en contacto con los realistas madrileños Antonio López, los hermanos López Hernández y la que sería su esposa Amalia Avia, también pintora. En 1956 fue becado por el estado francés para continuar sus estudios en el país vecino, donde entró en contacto con las obras del español Antoni Tàpies y Jean Dubuffet, quedando finalmente su estilo encuadrado dentro del informalismo. En 1983, recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas. En 1989, el Museo Reina Sofía de Madrid realizó una exposición antológica de su obra. Preocupado por la cuestiones matéricas, Lucio Muñoz comienza a utilizar materiales de la más variada naturaleza, como papeles quemados, madera, entre otros. El soporte va a ser esencial pues sobre él. Lucio perfora, rasga, realiza incisiones, aproximándose de esta forma al informalismo. Sus obras, coloristas en su mayoría aunque con un predominio del negro, representan un exponente del informalismo más puro. Después de cultivar el grabado durante un par de años, en su fase final su pintura se vuelve menos agresiva debido al tipo de materiales que utiliza. Entre sus principales trabajos destaca el ábside de la Basílica de Aránzazu, en Oñate (Guipúzcoa), y el mural que preside el Pleno de la Asamblea de Madrid, obra que finalizó poco antes de su fallecimiento. Sus obras se exhiben en los museos más importantes del mundo como el Guggenheim, el Museo de Arte Moderno, ambos en Nueva York, el British Museum y la Tate Gallery de Londres, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, Museo Rufino Tamayo de México, Museo Vaticano de Roma, etc.
Referencias
* Lucio Muñoz, por Santiago Amón * Galería Pedro Peña
Nacido en Londres en 1943, Bill Jacklin estudio diseño gráfico en Walthamstow School of Art, Londres (1960-61) antes de trabajar como diseñador gráfico en el Studio Seven en Holborn (1961-62). En 1962 regresó a Walthamstow para estudiar pintura y para esto fue al Royal College of Art - 1964 - 1967. Entre 1967 y 1975, Jacklin dio clases en la Chelsea School of Art, Hornsey y en el Royal College of Art y en escuelas en Kent y Surrey. Aunque inialmente se dedicó a la abstracción, a mediados de los 79 cambió a la figuración, cuando empezó a preocuparse por los efectos de la luz y el movimiento.
Jacklin recibió una beca en 1975, el año que realizó sus dos exposiciones en la Upper Gallery y en Nigel Greenwood en Londres. Continuó realizando exposiciones durante los años setenta en Londres y mas tarde en los años 80 en Nueva York en Marlborough Fine Art y en Marlborough Gallery. Tambien participo en numerosas exposiciones colectivas internacionales desde principios de los años 70. Jacklin ha recibido muchos encargos, los más importantes del Banco de Inglaterra, the Ivy Restaurant, De Beers y los más recientes de the Metropolitan Washington Airports Authority y para la terminal Norte del aeropuerto nacional de Washington. Se traslado a Nueva York en 1985 y se ha concentrado en retratos urbanos, en grandes óleos retrata las multitudes, momentos íntimos en cuadros que recuerdan los grabados de Seurat. Fue nombrado Acádemico Real en 1991 y en 1993 fue artista-residente para el Gobierno Británico en Hong Kong. Jacklin ahora vive y trabaja en Nueva York.
Karl Otto Götz (nacido el 22 de febrero de 1914 en Aquisgrán) es un artista informalista alemán, conocido sobre todo por sus pinturas. Nacido en Aquisgrán, actualmente crea collages abstractos de colores intensos y también está especializado en piezas procesadas por pixelación aleatoria pintadas a mano.
Fue oficialmente prohibido durante el período nazi (1935-36). Desde 1948 hasta 1953 Götz fue uno de los editores de la revista Meta y entre 1959 y 1979 fue profesor en la Kunstakademie en Düsseldorf. Se vio influido por Wols y el movimiento tachista. Su obra influyó, a su vez, en Nam June Paik y Gerhard Richter.
Adriana Varejao es una artista brasileña nacida que trabaja en varias disciplinas como la pintura, la escultura, la instalación y la fotografía.
Nacida en 1964, vive y trabaja en Río de Janeiro y es una de las artistas contemporáneas mas importantes de Brasil. Las referencias a los efectos del colonialismo son evidentes en su trabajo, así como la historia del arte y la ilusión. Sus obras figuran en numerosas colecciones en todo el mundo, incluyendo el Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York, La Tate Modern en Londres y el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego , entre otros. Su obra alude a la expansión y transformación destinada a abordar las complejas construcciones de la identidad cultural. El Centro de Arte Contemporáneo Inhotim en Brasil abierto en 2008 incluye un pabellón, construido por su marido,el coleccionista Bernardo Paz, dedicado a su obra. Fue incluida en la exposición " Brazil: Body and Soul " en el Museo Guggenheim de Nueva York en 2001, así como en la del MOMA " Tempo ", donde llenó toda una sala con una instalación de azulejos (Big blue tiles). Su trabajo también ha sido incluido en la Bienal de Venecia y la Bienal de Sydney .. Ha realizado exposiciones individuales en Lehmann Maupin en Nueva York, Soledad Lorenzo en Madrid, Victoria Miro en Londres, la Galería Fortes Vilaca en Sao Paulo, Museo Hara en Tokio y en la Fondation Cartier pour l'art contemporain en París.
